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갤러리이배는 부산광역시 수영구 민락동 수영강변에 문을 여는 새전시공간 ‘갤러리이배 수영전시관’의 초대 전시로 도자회화라는 현대미술의 새로운 패러다임을 구축한 이승희작가의 ‘TAO'전을 개최한다. 동양적인 감성에 더해 세계인의 감성을 이끌어냄으로써 짧은 기간 동안 국내외가 인정한 세계적인 예술가로 도약한 이승희 작가의 ‘다름’을 실천하는 작가적 면모를 체험할 수 있는 이번 전시는 2019년 1월 10일(목)부터 3월 9일(토)까지 진행되며 ‘TAO'시리즈 신작 30여점이 전시된다. 갤러리이배는 2010년 개관이후 수준 높은 전시기획 및 주요 해외아트페어를 통해 국내외 컬렉터 및 미술관계자로부터 호평을 받고 있으며 수영전시관을 통해 갤러리이배의 위상을 이어나가고 기획전시 전문 미술공간으로서의 역할을 더욱 강화하고자 한다.
작가 이승희는 입체적인 도자기를 자신이 고안해낸 독창적인 평면(부조)방식으로 도자 판에 조형한다. 도자기의 기능성을 배제하고 회화적인 느낌을 살려서 도자의 색채나 선들을 미적 아름다움으로 표현한다. 유약 없이 구워진 흙 그 자체를 느낄 수 있는 배경 부분과 고전의 도자기 그대로를 재현해 놓은 부분은 이원적인 구분이 불가능하다. 시공을 압축시켜 과거가 현대로 편입하며 철저히 현대성이 부각된 작품으로 탈바꿈하여 재탄생된 화면 속 도자기들은 명징한 정서를 뿜어낸다. 물성 탐구에 관한 간단없는 노력이 도예가의 상상력에서 현대 도자회화라는 영역으로 옮겨가는 전환점을 만들어 내고 있다. 현대미술의 영역에서 도자회화라는 새로운 패러다임을 구축한 평면도자의 탄생은 작가적 도전정신과 더불어 고정관념을 탈피한 선구자적인 관점과 의지의 결실이라고 볼 수 있다. 이러한 도전적인 행보로 인해 작가는 현재 세계미술무대에서 도자회화를 매개로 대중과 소통하는 가장 대표적인 작가로 자리매김하고 있다.
입체를 평면으로 변형시키는 작업은 오랜 세월 실험을 반복하여 우연적 결과까지 예상하는 작업의 공식 아닌 공식이 작가에게 체득되었을 때 비로소 가능하다. 작가의 작품은 작품의 제목 ‘TAO(타오)'가 말해주듯이 ’도(道)‘를 닦는 과정의 결실이다. 두께 1~2m의 편평한 흙 판 위에 입체적 회화성을 충분히 표현할 수 있도록 흙물을 켜켜이 바르고 건조하기를 100여 회 반복하여 약 1㎜ 높이로 부조와 같은 도자기 모양의 경계를 완성 한다. 곡선과 곡면이 주는 입체감은 티끌의 높이보다 낮은 두께로 긁어내고 성형을 해야 세밀한 차이를 두고 감지된다. 3개월 이상 작업하며 흙 판에 5~8㎜의 도자기 입체가 모습을 갖추어지면 배경 부분은 유약을 바르지 않고 흙의 질감을 그대로 살리고, 도자기 이미지는 입체감이 살아나도록 그림을 원근감 있게 그려 넣은 후 유약을 발라 고전 도자형태를 그대로 재현해낸다. 따라서 자연스럽게 도드라진 도자기는 배경과 묘한 대비를 이루며 미적, 예술적 가치를 여지없이 드러낸다.
생활자기의 경계를 뛰어넘어 조형예술로서 도자세계를 승화시킨 초기 ‘CLAYZEN’ 시리즈는 입체적 평면, 시공간적 결합, 동서양의 조화를 추구함과 동시에 통섭의 시대정신을 담은 새로운 도자 담론을 제시했다. ‘CLAYZEN'시리즈에서 ‘TAO(道)'시리즈로의 자연스런 이행은 흙물을 반복해서 계속 쌓는 마치 도를 닦는 숭고한 작업과정에 의해 더욱 의미를 부여받는다. 도자를 품은 거대한 흙판이 수천도가 넘는 불가마 속에서 그 형태를 유지할 수 있는 것은 지치지 않고 흙물을 쌓아 올리는 과정, 즉 누적된 시간과 병행하는 철학적 사유와 흙에서 비롯된 물성(物性)에 대한 작가적 탐구의 과정들이 고스란히 녹아 있기 때문이다.
작가 이승희는 1958년생으로 청주대학교에서 도자공예를 전공했다. 2008년 이후 세계 최대의 도자기 생산지인 중국 장시성(江西省) 징더전(景德鎭)에서 작업하고 있으며 서울, 베이징, 교토, 뉴욕, LA, 파리, 런던, 밀라노 등 세계 주요도시를 무대로 활동하고 있다. 2009년 베이징에서 선보인 ‘CLAYZEN'시리즈로 세계 도자예술 및 미술인들로부터 큰 주목을 받았고, 그 해 한국공예관 초대작가로 선정되어 기획초대전을 가진 바 있다. 2010년 갤러리이배를 통해 국내에 첫 선을 보인 이후 아트사이드갤러리, 박여숙화랑, Shin Gallery, Wally Findlay Gallery, Waterfall Mansion Gallery, 홍콩아트센터, 사치갤러리, 최순우옛집 등 국내외 주요 기관 및 갤러리에서 ’TAO(타오)'시리즈로 개인전과 단체전을 가진 바 있다. 청주국제공예비엔날레, 밀라노트리엔날레, 발로리스비엔날레, 아트마이애미, 아부다비아트 등을 비롯한 다수의 국내외 주요 아트페어에 참가하여 큰 호평을 받는 등 세계미술무대에서 작가적 역량을 발휘하고 있다.
이승희 LEE SEUNG-HEE
1958 청주 출생
1986 청주대학교 공예과 졸업
2017 TAO, Between Dimensions, 박여숙화랑, 서울
2017 TAO, 이것은 도자가 아니다, 박여숙화랑, 제주
2016 ‘From CLAYZEN to TAO', 갤러리이배, 부산
2016 TAO, 박여숙화랑, 서울
2015 物外物, 물외물 Object beyond Object, Force Gallery, 베이징, 중국
2014 Nada out of Nada, 갤러리이배, 부산
2013 Beyond Expectation, 박여숙화랑, 서울
2013 Path, Wally Findlay Gallery, 팜비치, 미국
2013 TAO, Shin Gallery, 뉴욕, 미국
2011 厚我有후아유, 아트사이드, 서울
2010 CLAYZEN, 갤러리이배, 부산
2009 CLAYZEN, 한국공예관, 청주
2009 CLAYZEN, UM갤러리, 서울
2009 CLAYZEN, 아트사이드, 베이징, 중국
2006 CLAYZEN, 무심갤러리, 청주
2005 소리를 담는 그릇, 무심갤러리, 청주
2001 미디어미래어, 대전시립문화원, 대전
2018 Infinite Grace, Waterfall Mansion & Gallery, 뉴욕
2018 검이불루, 화이불치, 서화갤러리, 서울
2017 경덕진 백자에 탐닉하다, 클레이아크김해미술관, 김해
2017 어느 누가 답을 줄 것 인가, Ozasa Gallery, 교토, 일본
2017 공예의 자리, 서울시립 남서울미술관, 서울
2017 감각의 환원, Ozasa Gallery, 교토, 일본
2017 Contemporary Korean Ceramics, Victoria & Albert Museum, 런던, 영국
2016 CCC. Céramique Contemporaine Coréenne, Bernardo Foundation, 리모주, 프랑스
2016 발로리스 국제비엔날레, Vallauris, 프랑스
2016 불이 不二, 스페이스몸미술관, 청주
2016 이와이:공감대, 청주시립대청호미술관, 청주
2015 조선백자의혼을담다- 구본창이승희 2인전, 최순우옛집, 서울
2015 Familiar Otherness, Hong Kong Art Center, 홍콩
2015 청주국제공예비엔날레, 구연초제조창, 청주
2015 START-This is Tomorrow, Saatchi Gallery, 런던, 영국
2015 한국공예법고창신2015, Milan Triennale Museum, 이탈리아
2014 보편적인 미술관의 서사, 대청호미술관, 청주
2014 백자예찬, 서울미술관, 서울
2014 Casting Plus, City Gallery, 샌디에고, 미국
2014 Walking in Origin, Force Gallery, 베이징, 중국
2014 Summer Art Festival – FEEL LIFE, Waterfall Mansion & Gallery, 뉴욕, 미국
2014 Beauty of Arts, Shanghai Art Collection Museum, 상하이, 중국
2014 청색예찬 An Ode to Blue, 이천도자센터, 이천
2013 이승희.이강효展, UM갤러리, 서울
2012 11 Artists with the MACKALLAN, 아트사이드, 서울
2012 反拌반반 – 이승희.이종목전, 갤러리이배, 부산
2011 전환된 이미지, 갤러리룩스, 서울
2010 기억의 고집 - 빈그릇, 달을 닮은 항아리, 스페이스몸, 청주
2009 Yve Saint Laurent처럼, 아트사이드, 서울
2006 복종순.이승희전, 반지하갤러리, 대전
2006 四方-치기, 무심갤러리, 청주
2005 금관 옆에서, 청주국립박물관, 청주
2005 SOFT POWER, 대전시립미술관, 대전
2004 부드러운 반복, 무심갤러리, 청주
2004 오브제 & 오브제, 가나아트스페이스, 서울
2004 100개의 거울, 삼성동COEX, 서울
2003 청주국제공예비엔날레특별전, 스페이스몸, 청주
2001 영남·호남 그리고 충청, 대전시립미술관, 대전
2001 전상용·이승희전, 신미술관, 청주
2000 중심의 이동, 문예진흥원, 서울/ 대전시립미술관, 대전
이승희, 党身
새벽 창문을 넘어 온 햇살이 상대방의 이마에 붉은 인장처럼 선연한 자국을 남기는 즈음까지 당신과 나는 술과 서로의 이야기에 취해 그저 만났다 하면 깊은 밤을 지새우기 일쑤였기에 나는 지금 여기 한 사람의 작업을 논구하는 평자로서가 아니라 생의 마디에 날인된 그 밤들의 흥취를 더듬는 한 사람의 익어가는 벗으로서 당신과 마주하고자 합니다. 하여 진지한 자리에 걸맞을 정연함 대신 흐트러진 언사 속에 새어나올 묵은 인연의 취기를 용서하시라.
당신(黨身)은 풍경이다. 우리가 그대와 함께 있을 때, 그대는 우리 앞에 있기 보다는 우리를 둘러싸고 있다. 어떻게 그러한가?
먼저 당신은 한 사람이 아니라 여럿이기 때문이다. 편재성(omnipresence)과 다중인격의 터무니없는 농을 건네고자하는 것이 아니다. 알만 한 사람은 다 알다시피 당신이 애초에 섬유예술을 전공하여 나중에 도예가가 되었고 (이 글을 쓰고 있는 본인이 처음 개인전의 인연을 맺은)화랑을 수년간 운영한 경력이 있으며 기발한 요리사이기도 하고 아마추어로도 늦은 나이에 발을 걸친 자전거 경주에서 걸출한 전적을 세웠고 또한 세계의 이곳저곳을 주유한 여행가라고도 할 수 있으며 사물과 살림살이에 대한 남다른 관심을 공간적으로 조형하는 인테리어 디자이너이자 무엇보다 만나는 그 누구와도 격의 없는 대화 속에 번뜩이는 삶의 성찰을 건네는 뛰어난 이야기꾼이기야 하지마는, 그러한 다재다능함과 변화무쌍한 인생 편력쯤을 가볍게 능가할 만한 인물이 어디 없으랴. 지극히 치열하되 언제고 낯빛에서 갈급함은 조금도 느껴지지 않는 느긋함으로 인해 내공 깊은 한량 같아 봬는, 아니 정통적 의미의 사실상의 한량(무과 준비를 위해 활을 쏘러 다니던 무예 연마 기간 중인 사람, 돈 잘 쓰고 잘 노는 사람), 요즘 말로 백수로서 백수생활 백서를 쓰고도 남을 이력의 다양성만으로 당신을 풍경으로 말하고자 함은 둔갑술로 복제된 손오공들에 포위된 모양새처럼 어딘가 부족하다.
최근에 접한 진화심리학적 의견에 따르면 인간에게 단일하고 안정적으로 항상 그러한 ‘참된 자아(true self)’란 존재하지 않으며 대신 우리 개개인은 ‘한 묶음의 수많은 다른 자아들(a bunch of selves)'로 이루어졌다 한다. - 여기서 우리는 우리 안에 진정한 자아가 있고 외부 세계의 온갖 현혹적인 장애를 차단하고 몰입(명상, 기도?)을 통해 세상의 풍랑을 굳건히 견뎌 낼 닻으로서 ’그것, 참 자아‘를 찾아내길 촉구, 격려하는 종교·철학적 잠언과 지침들과의 문제는 접어두기로 하자. 아무튼 우리 안에는 서로 다른 자아들이 다른 사람들에게 각기 다른 모습의 자아로 나타나며 자신이 생각하는 자아조차 그렇게 받아들여진 하나의 시스템이라는 건데, 불교의 무아(無我)와 일정부분 맞닿은 일종의 다아론(多我論)으로 들리는 논지를 접하며 나는 이와 같은 이야기를 가장 반길 대화의 상대로서 당신을 떠올렸고 또 평소 집요하리만큼 일관된 ‘우정의 철학’을 설파하는 당신의 상대로서 나를 포함한 당신 주변의 친구들이 엮어가는 인드라망을 새삼 반추해보게 되었다. 세월 속에 결코 이완되는 법이 없는 유아적 호기심으로 충만한 당신 같은 사람에게 세상은 멈춤 없는 변화로 소용돌이치는 영원한 배움의 터전인지라 ‘인간이란 존재는 자기 자신에서 끝나는 것이 아니라 끊임없이 세계와 소통하면서 변하는, 고정되지 않는 것(타고르, Rabindranath Tagore)’으로 여기서 인간과 세계는 서로를 비추고 삼투되는 상즉상입의 따로 떼어 낼 수 없는 관계 속에 놓여 있게 되는 것이다. 내 안에 너(객관 세계) 있다.
다시. 당신은 (대화를 기다리는, 해석을 기다리는)풍경이다. 왜 그런가? 당신은 길에서 배우고 길에서 사는 사람이다. 다소 오글거리게 접수되는 당신 작업의 제목이 Tao(道), 길이던가?... 그 길의 속성은 환경과 유전의 어딘가 또 누군가로부터 물려받은 두꺼운 관습을 겹겹이 입고 울타리 안의 동일성을 반복 왕래하는 내통의 좁은 골목이 아니라 그 울타리 너머 미답의 공간에 대한 희구, 곧 자기 확장의 움직이는 광장이다. 연하의 내가 때로 몰이해나 우정의 확신으로 당신을 향해 퍼부어댔던 독한 혀의 주먹질을 아프게 받기만 하는 것 같다가도 속절없이 그 길의 부름에 조건반사처럼 월담을 감행한다. 다감(多感)하나 집요하고 유연하며 지독한 지구력의 소유자 당신은 타고난 승부사요 제 앞에 놓인 일개 밥그릇의 원류와 변주를 조사하러 몸소 멀고 깊은 곳을 탐험하는 인류학자 같은 모험가다. 돌이켜 생각해보니 당신은 우리가 예전에 함께 펼쳐보였던 전시의 명칭처럼 천성이 ‘국경지대 사람’인 것이다.
무수한 월담의 경험은 국경지대 사람으로서 일상 속에서 몸으로 쓰는 삶의 기록이자 수양록. 어디로든지 이어지는 낯선 길에서 대면한 모든 풍경과 사건, 인물들은 당신을 흥분시키고 숙고하게 하며 뿌리째 흔들어 변화시킨다. 당신에게 길은 ‘자기’라는 한시적 범주(temporary shape)를 절감하고 무한대상과 무한대화로 새로이 축조하는 변신과 자기 부정/확장의 성소(聖所)다. 이윽고 우리는 당신이 다시 돌아올 때마다 당신 안에서 그동안 지나온 길의 징표들, 온갖 기호들을 때려 넣은 더 넓어진 보따리 같은 당신‘들’, 그러니까 혼합되고 뒤섞인 ‘경계’들을 만난다. 그 경계들의 공유지가 당신이 몸으로 써서 모아 온 통찰의 기록들, 곧 당신의 작업이다.
연결하는 명상
경계들은 숙명처럼 정체성에 대한 질문을 끌어온다. 당신 평생의 화두처럼.
우리나라의 ‘국악기’ 중에는 호적(胡笛, 태평소)과 같이 이름만으로도 명백하게 우리나라가 연원이 아닌 악기가 여럿이다. 가장 고유한 우리 안에 이미 밖이 들어있는 것이다. 한국인의 전 국민적 연례행사인 김장의 주재료인 배추와 고추의 원산지, 그리고 도입 시기를 생각하면 한 문화의 고유성에 대한 생각(믿음?)이 더욱 복잡해진다. 너무 거창한 호출이지만 초등학교 전후에 암기하는 세계 3대 성인이 모두 종교의 교조 혹은 창시자이기 이전에 무수한 국경-경계를 걸어서 넘나든 위대한 여행가들이었다는 점을 상기해보자. 월경을 통해 여행가들은 천개의 각기 다른 단어가 하나의 대상을 가리킬 수도 역으로 하나의 진리가 천의 얼굴로 드러날 수 있음을 안다. 하나의 달이 천개의 강물에 비추듯(月印千江之曲). 우리는 높이서 보면 드문드문 구멍처럼 보이는 사막의 우물, 오아시스들이 깊은 땅 속의 수로로 연결되어 있고 바다에 흩뿌려진 섬들이 바닥으론 거대한 하나의 대륙에 연하여 있음을 ‘안’다. 눈에 보이는 게 다가 아니라는 말은 아이러니하게도 시각예술 전공자들에게 특히 예민하게 다가오기 마련이다. 서로 인접하거나 멀리 떨어진 영토들(문화, 언어, 사람...) 간의 특이점, 차이들을 하나로 잇는 심미적 뿌리에 닿아 보기. 그것은 당신이 일생 천착해 온 작업의 주제이며 당신처럼 길 위에서 각성하는 사람들에게 작업실은 그래서 천천히 조금씩 깊이 파 들어가는 발굴현장이다.
이제 가까이 당겨진 시선으로 당신의 작업을 더듬어보자. 거칠게 보아 생의 본질에 다가서려는 궁구(窮究)의 일환으로 앞서 스치듯 언급한 명상의 메커니즘은 집중과 몰입으로 불필요한 것을 제거해 가는, 존재의 궁극적 본질을 참구하는 일종의 단순화 과정(빼기)이라 해두자. 그렇다면 외형상 그와 비슷한 효과를 내는 당신의 작품-clayzen으로 서명되는-에서 읽혀지는 당신이 ‘예술하는’ 방식은 실상 매우 대조적이라 할 수 있는데 바로 ‘연결’이다. 섬과 섬을 붙여놓기. 그것은 유사/상이한 항목끼리 서로 늘어놓는 병렬보다 한걸음 나아간 맞닿음, 적극적 관계 맺기로서 연결(더하기)이다. 유사함과 상이함을 동시에 수렴하고 있는, 다소 교과서적인 짝으로 결합된 당신의 작업이 보여주는 풍경, 그러니까 점점 중국사람(익숙한 낯섦, 우리안의 타자) 같은 느낌이 난다는 당신에게 체화된 경계-혼성-풍경은 이렇다 ; 중국(성)과 한국(성), 장식과 예술성, 실용성과 무용성의 가치, 과거(전통)와 현재(현대성), 모방과 혁신, 복제와 고유성, 생산성과 유일성, 중심과 주변, -잠깐 철학책의 표지만 슬쩍 도용하자면-차이와 반복. 그리고 무엇보다 단순하게 추려보면 입체와 평면, 혹은 도자와 회화. 우리가 그 배치(연결된 풍경)의 질문을 받아들이는 순간, 그 작품들이 우리에게 너무 지루하리만큼 자명했던, 그래서 현대의 예술 환경에서 더 이상 어떤 일말의 유의미한 울림도 갖기 힘들었던, 하지만 우리의 ‘지금-여기’를 구성하는 생태-문화적 기본 조건들을 새롭게 인식하는 작은 (연결)통로로 작동하게 되는 것은 아닐까? 모든 자명함은 역설을 내포하고 있다.
paradox, 불로 구운 그림
우리가 화마(火魔)라고 표현하듯이, 일반적인 인간의 생존과 일상생활에 적용되는 임계온도를 넘어 파괴의 가장 강력한 에너지로서 화할 경우 그야말로 모든 것을 녹여 삼켜버릴 화염 속에서 도자기는 태어나는바, 어찌 보면 그 곳에서 어떤 구조물이 빚어지는 것 자체가 하나의 역설이다. 그런데 당신은 흙이라는 원초적 물질을 다시 한 번 색과 형태를 가진 ‘담을 수 없는 그릇’으로 바꾼다. 조금 더 자세히 보면 삼차원상으론 본래 있어야 할 그릇의 내부 공간은 겨우 자취만 남기고 대신 그릇 바깥으로 퍼져 그릇을 둘러싼 ‘텅 빈, 그러나 꽉 찬’ 바닥과 배경, 천장이 없는 무중력상태처럼 펼쳐져 있다. 그러니까 그릇의 허(虛)에 지나지 않을, 여백으로서의 빈 공간이 여기선 물질화되어 상대적으로 대등하거나 더 큰 존재적 밀도를 획득한 게슈탈트(gestalt)에 이르고 있다. 그렇게 그릇들은 쓰임새와 색과 형태의 의미소마저 탈각시킨 채 아슬아슬한 저부조의 형태로 도자와 회화의 경계에서 추상(抽象, abstraction)을 겨냥한다. 인공 환경에서 가장 익숙하며 보편적인 사각의 평면을 기본 장(場, field)으로 삼는 회화는 무엇보다 타블로(tableau)라는 표현에서 확인되듯이 밥을 먹거나 글을 쓰고 작업을 하는 테이블을 위시하여 벽, 창, 문, 방, 화폐, 책, 모니터 등등의 ‘사각의 매개 공간’, 즉, 실재(reality)와 잠재(virtuality)가 서로 교차하고 교환되는 장소다. 당신의 도자-그림은 캔버스를 모방한 사각의 프레임 속에 현대 회화가 파기해 버린 회화의 전통, 꽉 막힌 실내 벽면을 외부 풍경으로 치장했던(illusion) 회화의 출발점으로 회귀라도 하듯이 도자와 그림의 더하기와 빼기가 뒤섞인 모호한 지점에서 자못 실감나는 연기를 피우고 있다.
피자의 도우든 수타면 반죽이든, 늘이면 얇아진다. 나같이 조각을 전공한 자에게 흙은 가장 기본적이고 친숙한 재료이긴 하나, 그것은 어디까지나 형태를 풀어내는 조형의 원료로서 또는 드물게도 자연, 혹은 원질로서의 지구 그 자체의 화신으로서 질박한 물성 자체를 드러내는 자기표현의 수단으로 밖에는 경험하지 못하는 바, 당신 도자그림에서 마주치는 최신형 모니터 같이 슬림한 흙의 연장성은 당혹감마저 자아낸다. 일반적인 캔버스의 크기를 능가하는 순수한 ‘면적’을 만들어내는 기능적 역설은 그것을 가능케 할 고도의 숙련과 집중의 메커니즘을 이해하는 자에게 오히려 어떤 초현실적 분위기를 풍기는 일종의 압도를 경험하게 한다. 자세한 공정은 들어도 한숨이 절로 나올 정도의 지난함을 내포한지라 나로선 설명을 포기할 수밖에. 아무튼 수제 작업이라고 어림잡기 힘들 정도로 수없는 시행착오와 반복을 거듭하여 이루어진 ‘노역’의 산물이 덤덤한 평면이라는 점도 담박한 조형성이 인도하는 ‘선(禪, zen)적 아우라’의 정취를 부가적으로 선사한다. 간결한 외양의 내피에 장인적 공력으로 단단히 여민 먼 시간과 수많은 길들의 융합. 그와 같은 물건을 앞에 두고 선 우리에게 와 닿는 정동(情動, affect)은 무엇인가?
강은 흐르고, 삶은 해석이다.
아름다움. 언제부턴가 미술 전공자들에게 이 단어는 전공 이름의 앞자락에 붙어 있음에도 드러내놓고 추구하기가 민망한 지경이 되었다. 개그적 멘트로 잇자면, ‘아버지를 아버지라 부르지 못함’이랄까. 그런데 우리에게 미술이 지금으로부터 불과 얼마 되지 않은 과거에 ‘fine(美) arts(術)’의 번역으로 비롯하였다는 사실을 상기하자. 그것은 번역된 세계다. 아무튼 내보기엔 우리에게 그 이름으로 도래(?)한 직후 ‘아름다움’은 밀봉된 채 ‘서양’ 미술사의 롤러코스터를 고스란히 함축한 사연 많은 얼굴을 한 전당포 주인에게 저당 잡혀 있는 형국에 다름없다. 어린아이처럼 생각해 본다. 세상이 있고 미술이 있으며, 당연하게도 세상은 서양‘만’ 존재하는 것이 아니며 또한 우리가 자주 잊고 있는 자명한 사실은 우리는 서양이 아닌 곳에 산다는 것이다. 서양과 동양. 그리고 훨씬 더 넓은 나머지. 북반구가 비대하게 왜곡된 지도 말고, 지구본을 보라. 그 나머지가 훨씬 더 광활하다. 예컨대 우리나라 어느 대학에서 그 나머지 공간 중에서 당신이 젊은 시절 친구들과 떼를 지어 새까매진 솥단지를 걸머진 채 거지나 다름없는 차림으로 누빈 인도라는 거대한 세계의 미학을 일자라도 거론하는 경우를 들어 본 적이 있는가? 잠시 삼국시대부터 이 땅 구석구석에 종소리를 울린 불교를 떠올려 보라! 자명함엔 역설이 있다.
이렇듯 지리적으로나 문화적으로, 어쩌면 유전적으로도 우리와 훨씬 가까운 인도의 전통 미학에서 아름다움이란 주관과 객관을 이어주는 다리이며(?!) 타고르-앞서 출연하신 이 분에 대해 당신과 내가 아는 바가 다른 사람들에 비해 특별할 것이 없다는 전제를 달고-는 ‘그러한 전통의 개념을 가져와서 아름다움을 서로 다른 성질을 융합시키는 것‘이라고 설명하고 있다. 그렇다. 이어보자면 당신에게 그리고 당신과 늘 대화하는 나에게 아름다움이란 어떤 특정한 범주의 내용이 아니라 하나의 시스템에 가까운 것으로서 우리가 각자 추구하는 삶의 전체성을 향한 나름의 ‘방향잡음, 진로(orientation)’다. 우리의 유한한 생과 꾀죄죄한 생득적 조건을 고려하면 참으로 무모하기 짝이 없는 언설이겠으나 일고의 가치는 있을 터, 그런데 마땅하게도 그것은 늘 변한다. 아름다움은 유동한다. 한 줌의 강물을 분석한들 거기에 강은 없다. 흐름이 없는 물은 강이 아니요 강물은 흐르기 때문에 강인지라 같은 강물에 두 번 발을 담글 수는 없는 노릇이다. 이제 관건은 저당 잡힌 물건을 안타까워하거나 되찾으려는 열망 대신 잃어버린 적이 없는, 단지 제 주머니 속에 ‘잊어버렸던’ 유산, 강물의 기억을 품은 조약돌을 다시 꺼내 오래 닦아 볼 일이다. 그리고 당신은 늘 그랬듯이 닦아놓은 모든 표면에 담담히 새긴다. ‘Tao, 나는 아름다움과 함께 간다.’하여, 이승희 당신에게 작업은 자기 삶의 총화를 매개하는 도구다. 삶. 살아감의 질곡에 연동되어 업(業)을 지음(作)에 부침이 있을지언정, 해석은 열려있고 그곳을 향해 당신은 여정을 포기하지 않을 것이다.
Paint me a picture of the river
And let it flow
Just let it flow
(...)
Geoffrey Oriema - The River 중에서
2016. 2. 모처럼 같은 하늘 아래서, 전 상 용(불상조각가)
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※ 폴수학학교 김은경 박사의 강연에서 인용함.
