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갤러리이배는 수영전시관의 연중 기획프로그램으로 구성한 ‘예술 속의 대담(Dialogue in Art)’ 전시의 첫 번째 장으로 권대훈, 심승욱작가를 초대하여 ‘인식하는 자, 기다리는 자’라는 주제로 전시를 개최한다. 불합리한 인간들이 만들어 놓은 부조리한 사회의 현실을 직시하고 이에 대처하는 방법론을 제시하는 두 작가의 대담의 장이 메타언어로서 표현된 예술작품을 통해 펼쳐진다. 이번 전시는 2019년 3월 22일(금)부터 6월 2일(일)까지 진행되며 인식으로부터 문제제기, 그리고 해결책을 모색하는 일련의 맥락적 전개와 관련된 사진, 조각, 설치작품 15여점이 전시된다. 사회학, 미학, 철학 등 인문학적 시각에서 미술작품을 통해 통합적 담론의 장을 전개할 수영전시관의 ‘예술 속의 대담’ 전시는 갤러리이배가 기획전시 전문 미술공간으로서의 역할을 강화하는데 밑거름이 될 것이다.
인류역사의 흐름과 함께 인간들의 다양한 욕구와 욕망은 사회성을 내포하고 있지만 궁극적으로 자아인식의 문제와 연결된다. 자아인식은 고정된 것이 아니며 현실을 바탕으로 본능적으로 사회 속 권위와 제도 내에서의 관계성을 내면화한 판단의 문제로 볼 수 있다. 현실에 그대로 녹아든 무감각한 일상으로 점철되는 자본주의적 삶에서 인식의 부재는 보편적인 현상이 됨으로써 실재하는 존재로서 자각과 현실에 대한 인식을 기반으로 한 경계인의 삶은 더 이상 기대하기 힘든 상황에 놓였다. 작가 심승욱이 이러한 과잉과 결핍의 불균형 속에서 발현되는 충족되지 않는 인간 욕구로 구축된 부조리한 사회현상에 주목한다면, 권대훈의 이에 대처하는 방식으로 작업은 부재가 아닌 사회 및 자아에 대한 인식을 바탕으로 자각을 동반한 임재하는 인간으로서의 사회적 소명을 묵묵히 표현하고 있다.
작가 심승욱은 어떤 종결 지점이 없이 세균처럼 증식하는 인간의 욕구를 표현한 'Black Gravity', 끝없이 반복되면서 절대 채워지지 않는 결핍된 욕구를 표현한 ‘구축과 해체Construction or De-Construction, Object-A’, 그리고 인간관계 속에서 경험되는 불안정, 그러나 결국 고착화되고 적응되어버린 안정을 가장한 불안정에 관한 ‘안정화된 불안Stabilized instability’시리즈 등 일련의 작업과정을 조각, 설치, 사진 등 다양한 매체로서 표현해 오고 있다. 인간 욕망의 정점에서 경험되는 상호 대립과 충돌, 배타적 고립주의의 환상들이 빚어 놓은 부조리하고 불합리한 현실에 대한 인식은 이를 개선하려는 인간의 의지로 자연스럽게 연결된다. 의지의 발로는 궁극적으로 자아인식에서부터 출발하며 언어와 행동으로 표현된다. 작가 권대훈의 작업이 인간의 자아인식과 자기 성찰적 과정과 밀접히 관련되어 있다는 점에서 심승욱 작가 작업의 연장선에서 연결고리를 찾을 수 있다. 권대훈에게 있어서 자아인식에서 출발한 의지표명은 ‘기다림’의 미학으로 표현된다. 기다림을 조형적으로 표현하는 것은 기다림의 주체와 대상의 정체성을 명확히 하지 않고는 불가능한 작업이다. 사회의 흐름에서 결코 자유로울 수 없는 기다리는 현대인들은 표면적으로는 많은 움직임을 가지고 있지 않지만, 보이지 않는 대상과의 끝없는 소통을 이어나가고 있다. 정지된 행동이 일시적일뿐이며 곧 전개될 동적인 상황은 변화를 의미하는 ‘빛’이라는 매체를 통해 암시적으로 표현된다. 기약하기 힘들지만 언젠가 도래할 변화된 미래는 정지한 듯 보이지만 결코 정지하지 않는 많은 우리들로부터 시작됨을 작가는 말하고 있다.
작가 권대훈은 1972년 서울출생으로 서울대학교와 동대학원 조소과를 졸업하고 영국 런던대학교 The Slade School of Fine Art에서 석사와 SRDP과정을 이수했으며 현재는 서울대학교 조소과 교수로 재직 중이다. 2011년 영국왕립미술원의 현대미술 조각 부문상인 '잭 골드힐 조각상(The Jack Goldhill Award)'을 한국인 최초로 수상하면서 작가로서 국제적인 명성을 얻었다. 2009년 이후 총 7회의 개인전을 성공적으로 마무리하였으며 국내외 주요 단체전 및 아트페어에도 참가하였다. 기다림과 찰나의 미학을 회화적 조각작품으로 표현한 작가의 작품세계에 세계 미술계의 관심이 주목되고 있다. 작가 심승욱은 1972년 서울출생으로 홍익대학교와 Chicago Art Institute에서 수학했으며 2014년 Prudential Eye Awards Contemporary Asian Art 조각부문 대상을 차지하면서 국제적으로 작품성을 인정받았다. 2005년 이후 쾰른과 서울, 시카고, 런던 등지에서 11회의 개인전과 단체전을 성공리에 마무리하였다. 세계적인 명성의 ISCP (International Studio & Curatorial Program)를 비롯해 인천아트플랫폼, 국립고양레지던시, 가나 장흥아틀리에 레지던시 프로그램에 참여하였다. 미술작가의 시각에서 사회현상을 분석하고 해석하면서 사회적 적실성을 실현하는 작가로서 크게 평가받고 있다.
DAE-HUN KWON
Born in 1972, Seoul, Korea
2002-2004 MFA in Sculpture, The Slade School of Fine Art, UCL, London, UK
1996 –1998 MA in Fine Art, College of Fine Art, Seoul National University, Seoul, Korea
1990-1996 BA in Sculpture, College of Fine Art, Seoul National University, Seoul, Korea
2017 Chalna-enlightenment, Gallery by the harbour, Hong Kong
2012 Chalna, Rachmaninoff’s, London, UK
2012 Flying Fish, Brain Factory, Seoul Korea
2012 Willowwacks, B-one, Seoul, Korea
2010 一切有心造(Everything comes from your mind), Everything depends on your mind, Gallery B-one, Seoul, Korea
2009 Waiting, Rachmaninoff’s gallery, London, UK
2016 Where am I, UNC Gallery, Seoul.
2015 Alma_Marter, GanaArt Gallery, Seoul
2015 Encounter/ the story begins with, Park RyuSook Gallery, Seoul
2014 Now, Here, Nowhere, UjumgArt center, Seoul Korea
2014 From the moment to moment, JejuMuseum of art, JejuKorea
2013 Image installation, Hangaramart Museum, Seoul Art Centre, Seoul, Korea
2013 RA Summer Exhibition 2013, Royal Academy of Arts, London UK
2013 White & White, MuseoCarlo Bilotti, Rome
2011 RA Summer Exhibition 2011, Royal Academy of Arts, London, UK
2011 Bad Romanticism, Museum Link, ArkoArt Centre, Seoul, Korea
2011 The magic world, YangpyeongArt Museum, Yangpyeong
2010 Blindness, Gallery Bo-an inn, Seoul, Korea
2010 Primaveredel bianco(Springs in white), Museum of Art S.N.U, Seoul, Korea
2010 "Present from the Past”, the Korean Cultural Center, London
2009 Frieze Art Fair, Rachmaninoff’s, London, UK
2009 U.S.B emerging Korean Artists in the world 2009, Hangaramart Museum, Seoul Art Centre, Seoul, Korea
2009 36project, Atelier Gustave, Paris, France
2008 Light of the earth, Gua-chon National science Museum, Gua-chon Korea.
2008 LUX-(e), GalerieVanessa Quang, Paris
2008 Your Mind's Eye: Digital Spectrum, Seoul museum of art, Seoul Korea.
2007 Nature exhibition, Contemporary Art Project, London UK
2007 Arcadia, I-MyuProjects, London, UK
2007 Performance (Fold 07 launching event), Tate Britain, London, UK
2007 Cool Bits, Sun Contemporary, Seoul Korea
AWARD
2011 The Jack Goldhill Award, Royal Academy of Arts Summer Exhibition 2011
2005 RBS (Royal British Society of Sculptors) Bursary Award 2005
2001, 2000 Jung-Ang Art Competition
Waiting
촘촘히 금속 조각을 박은 나무판 위에 빛으로 움직이는 이미지를 만드는 권대훈 작업의 새 주제는 기다리는 사람들이다. 기다리는 사람들이 그의 흥미를 끌게 된 것은 그들의 유독 무표정하며 정지된 동작이 주변의 걷고 있는 활발한 태도를 가진 사람들과 대조되어 독특하다고 생각하게 되었기 때문이다. 기다리는 사람들을 대상으로서 관찰하는 동안 무표정하고 정지되어 있고 비생산적인 듯한 인간의 태도를 다채롭고 흥미 있는 순간들로 묘사하고자 하는 충동을 갖게 되었다고 한다. 기다리는 사람들을 움직이는 빛으로 표현하고 싶었던 이유는, 그들의 외모의 무표정한 모습과 달리 그들의 정신은 매우 복잡하며 활발하기 때문이다. 기다리는 사람들은 아무것도 하고 있지 않는 것 같지만, 그 시간 동안 다가올 사건을 상상해 보고 만날 사람에 대한 두려움을 갖거나 기대에 부풀거나, 혹은 과거에 일어났던 일을 곱씹어 보기도 하고, 사무엘 베켓의 『고도를 기다리며』의 에스트라공과 블라디미르처럼 보이지 않는 존재의 기다림 속에 끝없는 대화를 창조해 내기도 한다. 표면적으로는 육체의 휴식 같은 기다림이 실은 복잡한 정신적 내면 세계를 품고 있는 활시위 같은 긴장된 상태라는 것을 작가는 빛의 움직임으로 담아내고 싶었던 것이다.
빛과 함께 기다리는 모습을 표현해 보고자 했던 또 다른 이유는 그 정지된 행동이 일시적인 중지이며 곧 일어날 활발한 활동을 빛으로 암시하고자 했기 때문이다. 기다림은 잠깐 동안의 중지, 혹은 천천히 흐르는 시간처럼 다음의 변화를 예고하고 있는 듯이 보인다. 삶의 잠시 동안, 일시적인 중지는 해롭지 않다고 우리는 알고 있다. 삶은 계속해서 웃음의 연속이 아니며 혹은 어느 누구도 슬픔만으로 삶이 내내 채워지지 않듯이 웃음은 중지되고 눈물도 곧 다른 사건을 위해 중지될 것이다. 작가에게 기다림은 일시적인 중지이며 또한 그 중지 속에서 서서히 변화해 가는 시간이다. 그의 작업 속에서 정지된 듯이 기다리는 사람들이 서서히 빛 속에 변화해 가며 그것은 관객이 즐기는 대상이 된다. 그의 작업은 빛의 강약, 속도의 변화 속에 마치 마술처럼 관객의 감수성으로 스며든다. 빛이라는 매체는 실체를 감추면서 마술과 같이 어떤 사람, 혹은 순간을 아름답게 기억하게 한다. 그래서 빛은 어떤 기억의 가장 강한 메타포가 될 수 있다. 기다리는 사람들이 변화를 주는 빛을 통해 관객에게 기억됨으로서 그들은 더 이상 지루하거나 아무 가치가 없어 보이는 정지 상태의 사람들이 아니고 기다림 자체가 어떤 인연을 낳을 과정 자체로 혹은 어떤 결과에도 상관없이 그 자체가 중요한 목적으로서 의미 있게 보여지고 기억하게 되는 것이다. 반대로 빛은 어떤 진실, 언제나 아름답지만은 않은 절박한 진실을 드러내는 도구가 될 수도 있다. 기다리고 있는 사람들의 무표정하고 정지된 태도가 어떤 진실, 가혹한 진실을 맞닥뜨려야 하던 순간처럼 우리들은 연극의 극적인 클라이막스를 기억하게 될 수도 있다.
한편 작가로서 관객의 기다림에 대한 요구와, 바쁜 관객의 시간은 서로 충돌한다. 대상에 대한 그의 관심은 어떤 서서히 변화해 가는 것들, 오래된 성당의 돌계단의 마모된 부분, 조금씩 자라는 나무, 세월에 변화되어가는 사람들의 얼굴, 시계의 시침과
같은 것들이다. 어떤 것을 끊임없이 오랜 시간 기다리는 것은 현대사회에서 쉬운 일이 아니다. 우리는 한시간 안에 많은 일을 할 수 있는 경우를 알고 있다. 전쟁을 할 수도 있고 농구 경기를 할 수도 있고 바다를 가로지를 수도 있는데, 느리게 변화하는 것에 시간을 들이는 것은 시간을 낭비하는 것이라고 생각하곤 한다. 더군다나 오랜시간을 들여 예술 작품 하나를 감상하기를 요구한다면 얼마나 많은 사람들이 반발할 것인가. 그렇지만 길에서 할일 없는 듯이 무언인가를 기다리는 사람들처럼 그의 작품을 보고 또 무언가를 그 기다림 속에서 발견하기를 바라는 작가의 마음과 관객의 현실적인 기다림의 한계는 그의 작품 속에서 빛의 움직이는 속도 속에 교차된다. 현재 그의 작품은 다행히 일년에 걸쳐 변하지는 않고 1분 혹은 몇십초 안에서 발견할 수 있는 변화이다. 그러나 우리는 최소한 몇십초, 일분을 그의 작품 앞에서 기다려 주기를 요구된다.
작가 권대훈의 기다림은 작업의 시작단계에서 반드시 필요한 요소이고, 작업에 임하는 태도이고, 관객에게 작가의 작업을 보기 위해 요구되는 조건이다. 서서히 변해가는 관심이라고 하면 한 인간처럼 좋은 재료가 없을 것이다. 서서히 세월 속에 육체와
정신이 변화되어 가지만, 우리는 아무도 그 목적을 알지 못한다. 왜 우리가 늙어가는지 왜 한정된 시간밖에 주어지지 않아서 기다린다는 것에 조바심이 나게 되는지 그 이유를 모르는 것이다. 때문에 한정된 시간 속에 어떤 변화를 조바심 내지 않고 기
다리는 것은 어떤 구도자와 같은 성질을 요구하는 것일지도 모른다. 작가는 구도자처럼 작품을 기다리고, 약속을 기다리는 사람들은 참을성 있게 만날 사람들을 기다려야 한다. 그 끝에 무엇을 만날 것인가는 어느 누구도 알 수 없지만, 우리들의 일생
자체가 궁극적인 기다림으로 조건과 목적이 지워져 있다고 생각하는 것은 지나치게 종교적인 생각일까.
■ 유은복
Chala
Dae Hun Kwon works with sculpture, installation and performance. His work is imbued with a distinctive sense of time as marking material objects including people in such a way that they become signs of their part in the configuration of moment (the artist refers to the Korean expression ‘Chalna’ which he translates as ‘the very moment when a thing or a phenomenon is developing’).
In his painted sculptural objects Dae Hun Kwon depicts highly specific but fleeting interrelations—between individuals performing often seemingly insignificant actions, physical things/objects realised with an acute feeling for their uniqueness and the registration of light. These objects achieve a phenomenological deep realism that is spiritual in the sense of an observed transfiguration of some secular, mundane subject matters. The method of realism the artist adopts is associated both with the careful observation of physicality as a species of truth to materiality and a willingness to place the physical within an appropriately fragile continuum sensitive to a kind of perceptual impressionism. This as a kind of limit case for the real.
Increasingly the artist alludes to narratives: for instance, a sculpture depicts a small baby with a mobile phone under one foot and a rocket in hand. The sculpture has a dramatic monochromatic finish, as if lit by a flash. In another work, a young women checks her phone while her hand is placed on an English post box, here the relation is almost one of paradox: the brilliant red post box is realised almost as if it were a machine for time travel, backwards that would be.
Matthew Arnatt
재해석된 인간과 사회,
그 일그러진 단면에 관한 독자적 시선
Construction-Deconstruction
2011-2015년, 작가 심승욱은 ‘구축과 해체(Construction-Deconstruction)’ 시리즈를 통해 인간 욕망의 모순을 그렸다. 과잉으로 점칠 된 시대에서의 풍요와 결핍의 경계를 담아냈으며, 블록을 쌓고 허물고를 반복하는 과정을 통해 인간의 욕망과 모순, 넘침과 끝없는 부족을 시각화했다. 주변에서 흔히 구할 수 있는 오브제들을 모아 비정형적으로 조합하는 방식으로 하나의 작품을 완성하는 작가에게 인간의 욕망은 단순히 해체와 구성으로 이분화 되진 않는 것이었다. 시작과 끝은 의미가 없으며 과정이 곧 결과에 가깝고, 결과는 다시 과정에 엮였다. 그렇기에 그의 작업은 동시적이라고 할 수 있다. 완성도 없고 미완성도 아닌 채 ‘경계’만 존재하는 작가의 작업은 실제로도 과정과 결과의 경계가 모호하다. 일일이 실리콘 형틀(Mould) 하나하나를 제작한 후 굳혀 붙이는 작업프로세스를 보면 이제 막 무언가를 덧씌우는 것 같으면서도 완성된 듯한 인상을 심어준다. 허나 종결된 듯하면서도 순환하고 모호하지만 명징한 질서가 놓여 있다. 그리고 이 상충과 아이러니가 곧 ‘구축과 해체’ 연작의 시작이자 결과이다. 무한 재생되는 모순의 시각화이다. 작가는 이와 같은 모순을 인간들의 다양한 욕구와 욕망에 투사한다. 우리가 흔히 지정하는 ‘권력욕망’, ‘존재욕망’, ‘성적욕망’ 등이다. 이들 욕망은 우리 인류역사와 사회성을 관통하지만 궁
극적으론 자아인식으로 귀결된다. 자아인식은 외적인 스스로를 반사하는 자신이다. 주체이지만 본질과는 거리가 있는 환형의 주체가 바로 자아인식인 셈이다. 자아인식은 고정되지 않는다. 본능적으로 사회 속 권위와 제도 내 관계성을 내면화한 세계로 나아가고자한다. 자아인식을 거쳐 관계성을 내면화한 세계는 현실성을 바탕으로 한 세계이다. 라캉Jacques Lacan의 이론으로 설명하자면 이 세계는 언어로 얼개화 되어 있으며, 언어를 통해 관계 맺는 세계다. 또한 어떤 질서의 대표이자, 주체가 동일시되는 ‘대타자’의 세계다. 심승욱이 집중하는 곳도 언어로 이루어져 있으며, 언어로 연결되고 파생되는 시각언어의 세계다. 이는 물성이 강해 가시적 면면에 의존하기 쉬운 심승욱 작업의 보이지 않는 특징을 부여한다.
Between Absence & Presence
지난 2015년 서울시립미술관 남서울미술관 기획전 ‘공허한 제국Void Empire’에 선보인 작품 <부재와 임재 사이>는 규모와 내용 면에서 당시 많은 관람객들에게 깊게 각인됐다. 사운드 가변 설치작품이었던 이 작업은 외형상 ‘결핍과 축적’(2007-2010), ‘구축과 해체’(2011-2015)를 잇는 것이었지만, 예술의 사회적 역할과 예술가의 책무를 증거하는 것이기도 했다는 점에서 여타 작업 대비 눈에 띄었다. 더불어 2015년 이후 활발하게 전개된 ‘부재와 임재 사이’라는 새로운 작업의 시초이기도 했다. '부재不在: Absence’는 말 그대로 그곳에 자리하지 않는다는 것이고, ‘임재’presence는 자리에 임한다는 의미다. 이 가운데 ‘임재臨在’는 종교적 관점에서 보자면 그리스도교에서 하느님이 인간에게 나타나는 일을 말하며, 인간사에선 높은 고위 인사가 어느 지역에 방문할 때를 지정하는 용어이기도 하다. 어쩌면 거룩하면서도 다분히 사회적인 이 용어는 그 자체로 극과 극을 보여준다. 두 명사가 하나로 이어져 있기에 모순적이다. 조금 더 쉽게 설명하기 위해 작가의 포트폴리오에 명기된 문장을 그대로 옮겨오면, ‘부재와 임재’는 ‘없음과 있음’이다. 다만 작가는 ‘없음과 있음’을 역순으로 ‘있음과 없음’으로 표기하며 ‘무감각한 일상-자본주의적 삶Between Absence & Presence’을 덧대어 놓고 있다. 따라서 공식적인 주제는 ‘부재와 임재 사이: 있음과 없음 그리고 무감각한 일상-자본주의적 삶’이다.
작품 ‘부재와 임재 사이’는 형상의 인지성이 낮다. 실제와 허구가 복잡하게 얽혀 있고 허구와 허상의 이미지가 실체를 근간으로 옹립될 뿐 ‘이게 무엇이다’라는 식의 사물인식은 고의적으로 폐기되고 있다. 흥미로운 지점은 레이어layer의 층위가 다른 이미지들이 현실 공간에 펼쳐짐으로써 실체가 되고 존재성을 부여받는다는 사실이다. 또한 이 작업 역시 어쩌면 ‘결핍과 축적’과 ‘구축과 해체’를 연결하는 작업으로써 인간 욕구 혹은 욕망의 현실성과 다름 아니라는 점이다. 다만 과거의 작업과 차이가 있다면 구체적 지시성이 명료하다는 것에 있다. 그리고 그 지시성은 ‘무감각한 일상-자본주의적 삶’이라는 부제에서 방점을 찍는다.
‘무감각한 일상-자본주의적 삶’은 현실성을 텃밭으로, 우리네 삶 속에 녹아 있는 문화, 현실, 삶의 형태, 시대의 딜레마dilemma 등을 내포한 채 ‘인간 욕망의 현대적 병리현상’을 깊게 바라볼 수 있도록 시각적으로 재구성하기 위한 장치다. 그 중에서도 우린 심승욱이 거론한 ‘자본주의적 삶’에 주목할 필요가 있다. ‘자본주의적 삶’이란 개인의 능력과 태생자본에 의해 누리는 권리로써의 삶을 말한다. 당연히 ‘자본주의capitalism’를 밑동으로 하는 삶이다. 그러나 ‘세월호 참사’(2015년 서울시립미술관에 선보인 작품)에서 알 수 있듯 이러한 삶이 반드시 긍정성만을 내포하고 있는 건 아니다. 필연적인 경쟁을 요구하고 빈부격차와 사회불안 등의 원인이기도 하다. 부정함과 그릇됨의 이유가 되기도 한다. 물론 작가가 굳이 ‘자본주의적 삶’이라 적시한 데에는 이유가 있다. 필자는 그가 말한 자본주의적 삶이란 결국 결핍을 전제로 한 욕구와 욕망과도 맞닿음으로 읽힌다. 이는 철학자 강신주의 저서 『상처받지 않을 권리』에서 ‘자본주의 체제의 생존 비밀은 욕망의 집어등’이라거나 ‘우리가 자본주의에서 얻는 기쁨이란 자기 파괴적인 욕망의 충족’일 뿐이라고 언급한 것과 결이 같다. 특히 ‘지금 시대에 자본만큼 우리를 강하게 지배하는 타자는 없을 것’이라는 강신주의 주장은 앞서 언급한 심승욱의 대타자의 팔루스(남근)의 대체어에 다름 아니다.
심승욱은 이 자본주의적 삶의 짙은 이면을 다양한 오브제의 조합으로 일궈냈다. 이 오브제들은 넓게 보면 당대 생산체계와 소비체계의 기호이다. 작가는 이를 ‘아카이브archive’ 방식으로 설정했다. 존 듀이John Dewey가 인간과 사회가 상호간에 영향을 주고받으면서 지속적으로 변화하고 성장하는 일상적인 활동을 예술과 관련시키면서 예술이 일상과 별개의 활동이 아니라 일상을 통해 참여하고 성장하는 과정으로 인식했듯, 작가 역시 표현을 위해 오늘날 현존하는 비극을 수집, 기록하는 방법을 선택했다는 것이다. 그건 일종의 ‘자본주의적 삶은 너무나 친숙하고 평범해서 우리 삶이 얼마나 자본주의에 길들어 있고, 그로부터 상처받는지 깨닫지 못하게 한다.’이다. 인간의 헛된 욕구와 욕망, 옳지 못한 과정의 총체로 벌어진 ‘세월호 참사’의 속살을 닮은 그것이다.
안정적 불안정성
라캉이 ‘욕망’을 결핍의 소산으로 보고 있는 것처럼, 인간은 자신의 결핍된 부분을 채우기 위해 ‘욕망’을 느낀다. 인간이 자본주의 사회에서의 풍요와 안락을 누리려 하는 것도 모두 인간의 ‘욕망’에서 비롯되었다고 볼 수 있다. 이처럼 ‘인간 욕망’은 세상에 적나라하게 드러난다. 세상은 가치 있는 것과 새로운 것을 끊임없이 찾는 인간의 욕망에 의해 계속 발전하고 있지만, 부작용 또한 많이 발생하고 있는 것을 볼 수 있다. 사회가 곧 욕망의 무대인 셈이다. 작가 심승욱의 작품은 이처럼 검고도 거친 드러남과는 달리 철학적, 사회적 맥락을 투영시켜 놓고 있다. 인간의 가장 밑바닥에 웅크리고 있는 욕구와 욕망을 비롯해, 자본주의와 삶, 없는 것과 있는 것 등으로 현실세계를 살아가는 우리가 획득해야 하는 참된 가치란 무엇인지를 되묻고 있다. 그리고 그는 절대 우회하지 않는다. 표현과 의도 면에서 다소 직접적이다.
2016년 연작 ‘안정적 불안정성’은 (2016)처럼 한쪽으로 기울어진 덩어리를 통해 매우 불안하고 초조한 현실을 보여준다. 벽을 사이에 두고 물리적 근친의 불가능성-소통의 어려움-배척되는 삶의 자연스러움 등을 함의한 (2016)도 그렇고, 세 개의 구조물에 전등을 매달아 출구 아닌 출구, 출구 같은 벽을 통해 불완전한 시대적 상황을 연출한 <안정적 불안정성-EXIT>(2016) 등도 그렇다. 이 설치작품들은 고의적으로 선택된 이미지, 직조된 이미지이지만 궁극적으론 ‘신자유주의의 종말 혹은 고립주의의 환상-Stable instability’이라는 부제로 귀납된다.
심승욱의 작품은 매우 현실적이며 철학적이다. 철학의 언어로 재해석된 인간과 사회, 그 일그러진 단면에 관한 독자적 시선이 두드러진다. 또한 그의 작품들은 예술이 예술로써 존재할 수 있는 이유를 제시하며 예술의 가치에 대해 점검하는 작업이다. 필자는 얼마 전 모 언론에 기고한 칼럼에서 “취향에의 읍소가 예술의 책무이고, 자본 획득이 예술노동의 절대가치로 오판하는 시대에서도 어떤 예술은 고유의 언어를 통해 예술의 본질과 사회적 역할에 대해 끊임없이 질문해 왔다. 언급해야 할 동시대 이슈는 무엇인지를 가장 현실적인 관점에서 논의하곤 했다. 일단의 예술가 또한 자신만의 조형방식으로 침탈된 약자들의 취약성, 소수, 소외를 위로했다. 그럴수록 실존의 위협과 경제적 압박이 커졌지만 투항하지 않았다. 오히려 경험된 비극과 기억으로부터 자유롭지 못한 역사를 거처 삼아 방기하지 않아야할 작가로서의 책임을 보여주곤 했다.”라고 적은바 있다. 그 중 한명으로 심승욱을 거론하는 건 적절하다.
홍경한(미술평론가, 2018 강원국제비엔날레 예술총감독)
심승욱, Stabilized Instability-부재와 임재 사이, 520X85X85cm 구명환, LED전구, 2015
