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갤러리이배는 2020년 2월 28일부터 5월 11일까지 연중 특별기획전시 ‘예술 속의 대담 Dialogue in Art | Chapter Ⅱ를’ 개최한다. 이번 전시에는 부산을 대표하는 김덕희, 손몽주 두 여성 설치작가의 삶의 시간적 속성과 이에 대한 인간의 대응방식과 해석을 시각적 언어로 표현한 작품을 전시한다. 두 작가가 펼쳐 놓은 예술 대담의 장에서 삶을 바라보고 설명하는 그들의 방식에 공감하고 해답을 찾는 과정을 함께 공유해 보기를 바란다.
작가 김덕희는 시간이 우리 삶의 중심축임을 인식하고 출생과 사망, 만남과 이별, 희노애락 등 삶에서 일어나는 일련의 사건들을 시간적 속성과 연계하여 해석한다. 의미도 뜻도 존재하지 않는 파동과 입자의 세계에서 엔트로피의 방향성을 따르는 에너지 출입의 변화로 나타나는 시간 속에서 변화를 기억하고 나열하고 세분화하여 의미를 부여하는 순간 인간의 삶은 시간에 연계된다. 일상에서 반복되는 끝없는 사건의 생성과 소멸을 시간적으로 세분화하면 포착할 수 있는 찰나의 순간은 인간의 자유로운 의식의 흐름과 같이 시간적 방향성에 구애받지 않고 단편적 혹은 집합적 기억으로 인간의 삶에 끊임없이 의미를 부여한다. 작가는 시간에 적응하는 방식으로 선택한 결정이 인간이 세계와 소통하는 방법임을 인식하고 연속되는 삶의 소중한 찰나의 순간들을 빛을 발산하는 수 만개의 전선으로 표현했다. 전시장을 가득 메운 삶의 궤적인 수많은 개별 시간의 분포는 귀납적인 접근방식으로 삶에 대한 일반적이고도 보편적인 명제를 제시하고 있다.
작가 손몽주는 이번 전시에서 고무밴드 시리즈와 표류 시리즈의 연결을 통해 철저히 대항하고 대비하며 겪어가는 공간에서 물질과 삶, 그리고 생명 관계에 집중한다. 수영강과 마주하는 긴 복도에 팽팽하게 잡아당긴 매우 탄력적인 수많은 고무밴드와 뜬금없이 자리를 차지한 표류목은 또 다른 낯선 환경에 대응하는 긴장감으로 표현된다. 이러한 설치작업은 장소가 가지고 있는 서사를 작품의 일부로 수용하는 장소특정적 작품을 지속해 온 작가의 일련의 전시와 함께 그 연장선상에 있다고 볼 수 있다. 인간은 의지 없이 표류하듯 떠밀리는 삶을 이어가지만 시공간적 상황에 순응하기도 하고 저항하기도 한다. 공간 드로잉으로 표현된 고무밴드는 단절의 가능성을 전제한 긴장감의 연속이 지배하고 있는 우리사회를 콘텍스트로서 표현하고 있다. 작가는 이러한 맥락적 상황에서 표류목과 부유물로 시각화된 ‘표-류-로’ 라는 텍스트를 제시하면서 순리적으로 사회에 저항하고 대응하는 과정에서 과제를 해결하고 난관을 극복하는 인간의 주체적인 삶에 대한 의지와 태도를 강조한다.
김덕희 작가는 1980년 부산 출생으로 도쿄예술대학교 첨단예술표현과와 동대학원을 졸업하고 2008년 도쿄예술대학교 졸업전에서 작품매입상을 수상했다. 2016년~2019년에 걸쳐 일본 대마도 Tsushima ART FANTASIA에서 레지던시로 작업했다. 2017년 ‘Quantization’(킴스아트필드미술관, 부산)을 비롯하여, ‘부산 그때도 있었고 지금도 있다’(F1963 석천홀, 부산), ‘오르고 내리다’(일맥문화재단, 부산), 그리고 Tsushima ART FANTASIA(대마도, 일본) 등 국내외 주요 개인전과 단체전에 참가하였다. 초량 1925 원도심 프로젝트(부산)와 부산 남항 바닷길 축제(부산) 프로젝트에도 참가했다.
손몽주 작가는 1978년 부산 출생으로 부산대학교 미술학과를 졸업하고 동대학원에서 석,박사학위를 취득했다. 영국 런던 Chelsea College of Art and Design에서 수학했다. 2019년 ‘영도스윙’(복합문화공간 끄티, 부산)을 비롯하여 11회의 개인전을 성공리에 마쳤으며 2007년 이후 ‘산으로 간 펭귄’(백남준아트센터, 용인), ‘숭고의 마조히즘’(서울대학교미술관, 서울), ‘지쿠고 풍경 저 너머에’ (큐슈 게이분칸전시실, 일본), ‘포스트 88’(소마미술관, 서울) 등 주요 단체전에 참가했다. 그리고 2008 부산비엔날레 바다미술제를 비롯하여 2015 청주국제공예비엔날레, 2018 광주비엔날레 등에 참가했으며 2010년 아르코 노마딕 아트 레지던시(제주현대미술관 / 골 달란자가드미술관)와 2015년 부산문화재단 홍티아트센터 입주작가로도 활동했다.
김덕희
1980 부산출생
2010 도쿄예술대학 대학원 미술연구과 첨단예술표현전공 석사 졸업
2008 도쿄예술대학 미술학부 첨단예술표현과 졸업
2019 Peer review, 3F, 부산
2018 Quantization, 킴스아트필드미술관, 부산
2019 Dialogue in Art, 갤러리이배, 부산
2019 7189 므두셀라展, 금정문화회관, 부산
2019 Duality of light, 서동예술창작공간, 부산
2019 창의예술교육 국제 심포지엄 연계 전시, F1963 석천홀 로비, 부산
2019 소요의 시간, 초량 구봉산 일대, 부산
2019 Tsushima ART FANTASIA 2019, 대마도, 일본
2019 부산 그때도 있었고 지금도 있다, F1963 석천홀, 부산
2018 오르고 내리다, 일맥문화재단, 부산
2018 Tsushima ART FANTASIA 2018, 대마도, 일본
2018 The Body, CICA미술관, 경기도 김포
2017 감여가, 스페이스 닻 , 부산
2017 Tsushima ART FANTASIA 2017, 대마도, 일본
2017 낮고 높고 좁은 방, 갤러리 구루지, 서울
2017 Island, (구)일본은행 히로시마 지점, 일본
2016 Tsushima ART FANTASIA 2016, 대마도, 일본
2010 도쿄예술대학 첨단예술표현과 석사졸업전, BankArtNYK, 카나가와 , 일본
2009 WIP전, 도쿄예술대학 토리데캠퍼스 , 일본
2008 PRIZE 2008, 도쿄예술대학 학생회관, 일본
2008 Project the projectors 2008, BankArtNYK, 카나가와 , 일본
2007 기류재현13, 군마, 일본
2006 Nine days' Wonder blue Sky Museum!!, 이바라키, 일본
2005 Demarcación,mexico veracruzana 대학, 멕시코
프로젝트
2019 부산 남항 바닷길 축제, 깃발 프로젝트 대풍포展, 부산
2018 깡깡이예술마을 영도도선복원 프로젝트, 부산
2017 초량 1925 원도심 프로젝트 , 부산
레지던시
2016~19 Tsushima ART FANTASIA, 대마도, 일본
수상 및 지원
2019 문예진흥기금 청년예술가생애첫지원, 한국문화예술위원회
2018 킴스아트필드미술관 오늘의 작가전 공모 선정 , 부산
2008 도쿄예술대학 졸업전 작품매입상 수상 , 일본
소장
도쿄예술대학 미술관 , 깡깡이예술마을, 부산, 한국
Doki Kim
Born in 1980, Busan, Korea
2010 Master of Inter Media Art. Tokyo University of the Arts, Japan
2008 Bachelor of Inter Media Art. Tokyo University of the Arts, Japan
2019 Peer review, 3F, Busan
2018 Quantization, Kim's Art Field Museum, Busan
2019 Dialogue in Art, LEE & BAE, Busan, Korea
2019 7189 Methuselah, Geumjeong Cultural Center, Busan, Korea
2019 Duality of light, Seodong Art Creation Space, Busan, Korea
2019 International Symposium on Creative Art Education, F1963 Suckcheon Hall lobby, Busan, Korea
2019 Time to stroll, Choryang Mt.Gubong, Busan, Korea
2019 Tsushima ART FANTASIA 2019, Tsushima, Japan, Korea
2019 BUSAN It exists now as it was then, F1963 Suckcheon Hall, Busan, Korea
2018 go up and down, ilmac Cultural Foundation, Busan, Korea
2018 Tsushima ART FANTASIA 2018, Tsushima, Japan
2018 The Body, CICA Museum, Gimpo, Gyeonggi-do, Korea
2017 GAM YEO GA, Space DOT, Busan, Korea
2017 Tsushima ART FANTASIA 2017, Tsushima, Japan
2017 CELL - Low, High, and Narrow Room, Gallery Guruji, Seoul, Korea
2017 Island, Former Bank of Japan Hiroshima, Japan
2016 Tsushima ART FANTASIA 2016, Tsushima, Japan
2010 Tokyo University of the Arts Inter Media Art Graduation Works, BankArtNYK, Kanagawa, Japan
2009 WIP, Tokyo University of Arts, Japan
2008 PRIZE 2008, Tokyo University of Arts, Japan
2008 Project the projectors 2008, BankArtNYK, Kanagawa, Japan
2007 Kiryu Saien 13, Gunma, Japan
2006 Nine days' Wonder blue Sky Museum!!, Ibaraki, Japan
2005 Demarcación,veracruzana, Mexico
Project
2019 Flag Project DAEPUNPO, Busan, Korea
2018 Yeongdo Ferry Restoration Project, Busan, Korea
2017 Choryang 1925 Old Downtown Project, Busan, Korea
Residency
2016~19 Tsushima ART FANTASIA, Tsushima, Japan
Award & Grant
2019 National Endowment Fund for Culture and the Arts, Arts Council Korea, Korea
2018 Kim's Art Field Museum - Artist of the Day, Busan, Korea
2008 Purchase Prize, Tokyo University of the Arts Tokyo University Art Museum, Japan
Collection
Tokyo University of the Arts Tokyo University Art Museum , KANGKANGEE Arts Villag
2016 부산대학교 미술학과 박사 졸업
2006 Master of Fine Art Chelsea college of Art and Design in London
2004 부산대학교 미술학과 석사 조소전공 졸업
2001 부산대학교 미술학과 조소전공 졸업
2019 ‘ 영도스윙’ 복합문화공간 끄티, 부산 외 11회
2019 Dialogue in Art, 갤러리이배, 부산
2018 ‘포스트88’ 소마미술관, 서울
2018 ‘강정현대예술제’ 대구 강정보 야외일대
2018 ‘오버래핑’ 테라로사 박물관 기획전, 강릉
2016 ‘웨이브 그루브’ 2인전, 용두산 부산시립미술관, 부산
2016 ‘비일상의 발견’ 전주문화재단 기획전, 팔복예술공장, 전주
2016 ‘지쿠고 풍경 저 너머에’ 큐슈 게이분칸 전시실, 지쿠고시 큐슈, 일본
2016 ‘상상공간’ 고양문화재단 기획전, 고양아람누리 미술관, 경기도
2015 ‘파일럿’ 제주문화재단 기획전, 옛 제주대학교 부속병원
2015 ‘숭고의마조히즘’ Moa미술관기획전, 서울대학교미술관, 서울’
2013 ‘꿈틀 기획전’ 경기도문화재단, 경기도미술관
2013 ‘체험미술관’ 경기도문화재단, 경기창작센터
2013 ‘부산국제바다미술제’ 부산 송도해수욕장
2012 ‘쿤스트페어라인미술관’ 기획전, 함부르크 독일
2012 'Doing' 금호미술관 기획전, 금호미술관
2012 '텐트 올 데이' 서울문화재단, 서교예술실험센터
2011 ‘행복마을 프로젝트’ 문화체육관광부, 영천 가시리
2011 ‘캔 캔 프로젝트 - 재생’ 스페이스 캔, 서울
2010 ‘Time & Space’ 노마딕 아트 레지던시, 아르코 기획전, 제주현대미술관
2010 ‘현대미술의동향 SMART’ 경남도립미술관 기획전, 창원도립미술관
2010 ‘Time & Space’ 노마딕 아트 레지던시, 레드겔갤러리, 울란바타르 몽골
2010 ‘색-욕망에서 숭고까지’ HOMA 기획전, 홍익대학교 현대미술관
2010 ‘산으로 간 펭귄’ 백남준 아트센터 기획전, 용인
2009 ‘아티스트 가든’ 김해시립미술관 클레이아크 기획전, 김해
2008 ‘프랑스 바스티유 오픈 스튜디오 ’ 바스틸 파리
2008 ‘서울 리빙 디자인 페어’ 뱅앤올룹슨전, 코엑스 서울
2007 ‘Asia Art Festival’ 성산아트홀. 창원
비엔날레
2018 ‘2018 광주비엔날레’ ACC, 국립아시아문화전당, 광주
2015 ‘청주 국제 공예 비엔날레’ 옛 청주연초제조창, 청주
2008 ‘2008부산 비엔날레’ 바다미술제 , 미월드 , 부산
레지던시
2015 부산문화재단 홍티아트센터 1,2기 입주작가
2010 아르코 Time & Space 노마딕 아트 레지던시, 몽골 달란자가드미술관/ 고비사막
2010 아르코 Time & Space 노마딕 아트 레지던시, 제주현대미술관
Mong-Joo Son
Born in 1978, Busan, Korea
2016 Ph.D Pusan National University in South Korea
2006 MA Chelsea college of Art and Design in London, UK
2004 MAFA Pusan National University (Sculpture)
2001 BAFA Pusan National University (Sculpture)
2019 ‘ Young island swing’ sculpture project, Busan, Korea
And the other 11 solo exhibitions
2019 Dialogue in Art, LEE & BAE, Busan, Korea
2018 ‘POST88’ SOMA , Seoul, Korea
2018 ‘Gangjung art festival’, Daegu, Korea
2018 ‘Over rapping’ Terarosa museum, Gangreong, Korea
2016 ‘Wave groove’ Busan art museum, Busan, Korea
2015 ‘Sublime Masochism’ Moa, Seoul national University, Seoul, Korea
2014 ‘Artfantasia’ Tosuikan Tsushima , Japan
2014 ‘Moving Triennale made in Busan, Busan, Korea
2013 ‘Gyeonggicreation center’ , Ansan, Korea
2013 ‘Gyeonggi Art Museum’ , Ansan, Korea
2013 ‘Busan Sea Art Festival’ Song-do beach, Busan, Korea
2012 ‘Kunstverein Hamburg’, Hamburg, Germany
2012 'Doing' Kumho Museum, Seoul, Korea
2011 ‘Happy Project’ Ministry of culture , sports and tourism, YoungChun, , Korea
2010 ‘Time & Space’ 「Nomadic Arts Residency, Jeju museum of Contemporary Art, Jeju, Korea
2010 ‘SMART’ Gyeong Nam Art Museum, Changwon, Korea
2010 ‘Time & Space’ Nomadic arts regidency, Red ger gallery, Ulaanbaatar, Mongolia
2010 ‘The penguin that goes to the mountain‘ Nam jun paik center, Yongin, Korea
2010 ‘Hyun-Dai motor’ Sonata launching show, Grand inter-continental hotel/Seoul, Korea
2009 ‘Pumping Heart ’ New Form’ , MK2 Gallery, Beijing ,China
2008 ‘Open studio of Bastil’ show, France
2008 ‘Seoul living design fair’ BANG & OLUFSEN, COEX, Seoul, Korea
2007 ‘ASIA ART FESTIVAL’ Sungsan art hall, Changwon, Korea
Biennale
2018 ‘2018Gwangju Biennale’ Gwangju, Korea
2015 ‘Chungju international Craft Biennale’, Chungju, Korea
2008 ‘Busan Biennale’ Sea Art Festival, Me world, Busan ,Korea
Residency
2015 ‘Hongti Art Center’ regidency, Busan
2010 ‘Time & Space’ Nomadic arts regidency,
Ministry of culture , sports and tourism, Ulaanbaatar
2010 ‘Time & Space’ Nomadic Arts Residency,
Ministry of culture , sports and tourism, Jeju museum of Contemporary Art
김덕희 | 작가노트
우리는 시간 속에서 산다. 태어남과 죽음, 만남과 헤어짐, 울고 웃고 화내고 사랑하는, 삶이라고 부르는 일련의 사건들이 모두 시간 속에서 일어난다. 가만히 눈을 감고 시간의 흐름을 느껴본다. 만남과 헤어짐이라는 시간을 쪼개고, 슬픔이 일어났다 사라지는 시간을 헤아려 본다. 생애라는 시간을 어제와 오늘로, 낮과 밤을 다시 들숨과 날숨으로. 맥박 하나하나의 리듬과 함께 육체를 구성하는 모든 세포들이 분열을 거듭하는 순간을. 미시세계로 의식을 옮겨 생각할 수 있는 아주 짧은 단위의 시간을 멈추고 영화 속 정지된 장면을 비교하듯 전과 후를 비교해 본다. 마치 태초의 우주와도 같이 의미도 뜻도 존재하지 않는 파동과 입자의 세계에서 시간은 단지 엔트로피의 방향성을 따르는 에너지의 입출입의 변화로 나타난다. 우리가 그러한 변화를 기억으로 저장하고 나열하여 의미를 부여하는 순간 심장은 다시 고동치고 마음은 뜨거워지며 너와 나는 만나고 사랑하게 된다. 이러한 것은 본질적으로 시간이 인간의 뇌에서 만들어진, 세계와 상호 작용하는 한 가지 형식이라는 것을 알려준다. 시간은 인간의 층위를 벗어나면 그 순간 사라져 버리는 신기루와 같은 것일지도 모른다. 나에게 정체성을 부여하면서 동시에 세계는 의미가 없음을 고백한다. 모래로 쌓은 탑은 무너지고, 아름답던 하얀 눈은 손에 쥐는 순간 녹아 사라져 버린다. 하지만 그럼에도 불구하고 인간은 끊임없이 의미를 생성하고 삶을 이어 나간다.
어느 따스한 봄날 창가에서 아주 잠깐 꿈을 꾼 듯하다. 혹은 어느 한 여름 밤에 쏟아지는 별들을 바라보며 잠이 든 것일지도 모르겠다. 의미와 무의미의 경계를 오가며, 언젠가 빛의 파편으로 흩어질 시간의 세계에서 나는 너와 영원한 시간을 꿈꾼다.
Doki Kim | Artist Statement
We live in time. Birth and death, encounter and separation, sorrow and joyance, anger and loving, these series of events that you call life, all happening in time. Just close eyes and feel the passage of time. Divide the time between meeting and parting, and count the time when sorrow rises and disappears. The time of life to yesterday and today, the day and night with inhalation and exhalation again. The moment when all the cells that make up the body are divided with the rhythm of each pulse. Compare the before and after as I stop the time of such a short unit which can think by moving the consciousness to the microscopic world and compare the still image in the movie. In a world of waves and particles that have no meaning or definition, as in the universe at the beginning, time appears only as a change in the input of energy that follows the direction of entropy. The moment we store and list those changes as memories and give them meaning, the heart starts to beat again, the feeling heats up, and you and I meet and love each other.
This tells us that time is essentially a form of interaction with the world, created by the human brain. This gives me an identity, but at the same time, It confesses that the world is meaningless. The tower built of sand collapses, and the beautiful white snow melts away as soon as it is held in the hand.
Time may be like a mirage that disappears at the moment when it is outside the human layers. Nevertheless, humans endlessly create meanings and continue life.One warm spring day, I seem to have had a dream at the window for a very short time. Or maybe I fell asleep watching the stars pour out one summer night. Going back and forth between the boundaries of meaning and the meaningless, in a world of time that will one day be dispersed by shards of light, I dream of eternal time with you.
동시대미술에 있어 전시공간은 과거 ‘화이트큐브(White-Cube)’라 불리며 새하얀 입방체로 통일되었던 것과는 달리 일률적이지 않고 다양하다. 물론 하얀 벽면으로 둘린 전시공간이 없는 것은 아니다. 하지만 어떤 공간은 마치 영화관에 들어온 것처럼 미세한 빛조차 허락하지 않는 새까만 공간으로 만들어져 있고, 또 어떤 공간은 가지각색의 벽면들과 각종 집기로 연출이 되어 있는가 하면, 또 다른 어떤 공간은 아무런 마감 없이 맨 시멘트 벽면을 그대로 노출하기도 한다. 하지만 이렇게 각각의 공간이 다르다고 해서 그 목적마저 다른 것은 아니다. 모두 작품을 위해 고안된 공간이라는 점에서 뜻을 같이한다. 새하얀 입방체 공간은 모더니즘 시기의 회화나 조각처럼 그 자체로 완성된 작품을 잘 보여주기 위한 일련의 장치 이고, 암막 천을 두른 검은 공간 역시 영상이나 빛을 활용하는 작품을 효과적으로 보여주는 장치이며, 또 각종 현란한 벽면들과 집기들 역시 작품의 이해를 돕는 연출인 경우가 많다. 그리고 거친 노출콘크리트 벽면으로 마감된 공간은 차고(cargo)와 같은 느낌을 선사해 다양한 실험들이 가능한 장을 열어주는 기능을 한다. 그런데 최근에는 이런 상황에서 더 나아가 사람들이 오고 가는 거리나 폐쇄된 공장, 오래된 건축물, 빈집, 시위 현장, 심지어는 숲이나 바닷가 등 전혀 작품이 전시될 거라고 생각할 수 없는 장소들까지도 전시공간으로 확대되고 있다. 이와 같은 경우, 앞서 예로 든 여러 공간과는 상황이 약간 다른데, 무엇보다도 앞서 소개한 공간들은 서로 다른 외관에도 불구하고 모두 그 안에 진열된 작품을 위해 만들어진 공간이었다면, 지금 예로 든 공간들은 작품보다는 다른 목적이 우선하는 공간이라는 점에서 그렇다. 그렇기에 이런 곳에 놓인 작품들은 그 공간으로부터 아무런 도움을 받지 못한 채, 작품과 공간이 서로를 방해하기도 한다.
손몽주의 이번 전시, 《영도스윙》도 이런 장소에서 이루어졌다. 부산항이 보이는 영도 해양로에 위치한 ‘복합문화공간끄티’는 과거 선박용 발전기를 제조하던 공장으로, 폐쇄된 후에는 물류창고로 활용되었고, 현재는 파티, 공연 등 다양한 문화행사가 이뤄지고 있는 공간이다. 문화공간이라는 이름을 달고 있지만, 간판 등 어떤 추가적인 장치가 없어 찾기도 힘들뿐더러, 어렵게 앞까지 갔다 하더라도 쉽게 지나치기 일상이다. 내부는 거친 콘크리트 벽면과 중간중간 쌓여 있는 각종 선박용 물품들, 한쪽에 그대로 놓아둔 사물함 등 창고로 쓰였던 원래의 거친 모습을 그대로 유지하고 있어 이곳을 전시장이라 생각하긴 어렵다. 게다가 주변에서 배를 손질하는 망치질 소리와 용접 소리, 그곳에서 일하는 뱃사람들의 거친 숨소리가 공간에 온전히 전해질 뿐 아니라, 저 멀리 항구에서 배가 입항하고 출항하는 소리, 심지어는 갈매기 울음소리까지도 전시장에 고스란히 들려 작품에 오롯이 집중하기 어렵게 한다. 더욱이 공간을 마주한 바다의 웅장한 풍경은 관람자의 시선을 작품이 아닌 풍경에 머물게 해 공연 등 다른 문화행사라면 모를까 시각예술인 미술 작품을 전시하기에는 어렵게 느껴진다. 앞서 이야기한 것처럼 이 공간도 작품과 작품의 감상을 방해하는 것이다. 하지만 손몽주의 이번 전시를 보면 문제는 그리 단순하지 않다. 손몽주는 이번 전시에 크게는 두 개의 작품을 선보였다. 하나는 가로 7m, 높이 6m가량의 거대한 형광연두색 설치물인 <영도스윙>(2019)이고, 다른 하나는 가로 6m의 2단 좌대 위에 놓인 소품들로 <떠 다니는 조각들>(2019)이다.
우선 압도적인 스케일로 관람자를 압박하는 <영도스윙>을 이야기해보자. 개선문을 연상케 하는 구조물에 연두색으로 염색된 그물을 덮은 이 설치작품은 주변과는 확연히 다른 화려한 색감과 거대하고 웅장한 크기로 이질감을 선사해 관람자의 시선을 주변이 아닌 작품으로 이끈다. 그리고 작품의 한 가운데, 그러니까 이 작품이 거대한 문이라고 여긴다면 통로라 생각되는 곳에 그네(swing)가 설치되어 있어 관람자로 하여금 탈 수 있게끔 하고 있다. 그네는 딱히 어느 방향이 앞이라고 정해져 있진 않지만 별다른 의식 없이 의자에 앉아 그네를 타다 보면 자연스레 바다를 바라보게 된다. 작품에 집중하기 위해 비단 가려야 할 풍경을 이 작품은 오히려 적극적으로 바라볼 것을 권장한다. 그렇게 그네를 타며 바다를 보다 보면, 주변의 다양한 소음들까지도 작품의 요소로 받아들이게 된다. 이처럼 손몽주는 장소를 작품 안으로 끌어들여 작품의 일부로 수용하고 있다.
손몽주가 이렇게 작품이 전시되는 공간을 작품의 일부로 활용하는 것은 비단 이번이 처음이 아니다. 손몽주의 이런 성향은 영국에서 유학을 마치고 귀국한 후 본격적으로 작품활동을 하기 시작한 2007년부터 나타난다. 손몽주는 귀국한 해에 대안공간반디의 공모전에 당선되어 개인전 《Come in !》(2007)을 가졌는데, 이때 그는 손보지 않은 목욕탕을 전시공간으로 활용하고 있는 대안공간반디의 특징을 적극적으로 활용해 흰 띠로 공간을 나누고 사방을 가로지르는 작품을 선보였다. 작가는 이 전시를 준비하며 “사람들이 반디의 공간에 서 있는 모습들이 무척 인상적이다. 분명 옷을 벗어야만 하는 곳에서 너무나 잘 차려입은 옷들을 입고 있는 사람들, 그리고 분명 남탕과 여탕이 분리되어 있건만 남녀 함께 여탕에 있는 모습, 어디 모퉁이에 주로 앉아들 있으면 좋겠는데 모두 불안하게 서 있는 사람. 그 모든 상황이 재미있기도 한편으론 모호하기도 하였다. 단순한 민무늬의 장소가 아닌 이상, 특정 디자인이나 요소가 포함되어 있는 공간이라면 그 장소의 역사나 배경 정보가 무척 크게 작용한다고 느낀다”(작가노트 중, 2007)고 적었다. 이후 손몽주는 2008년 부산비엔날레 특별전에 초대되어 수영구의 한 폐쇄된 헬스장 탈의실에 들어가 검은 띠로 사방을 두르는 《사라진 동물들》을 선보였으며, 2010년도에는 사하구 감천문화마을에 들어가 버려진 집의 내부를 유선형의 띠로 두른 《어둠의 집》을, 다음 해에는 경북 영천에서 빈집의 외부를 노란색의 유선형 띠로 감싼 《새장 속에 새》를, 2013년도에는 동래구 명륜동 빈 상가에 들어가 내부를 흰 띠로 가로지르는 《확장-파장-연장》을 연달아 선보이며 장소가 가지고 있는 성질 및 서사도 작품의 요소로 적극 활용해왔다.
손몽주의 작업이 이처럼 공간에서 공간으로 옮겨가며, 그리고 각 공간의 특징과 서사를 작품으로 끌어들이면서, 작품의 내용에 있어서도 유의미한 변화도 함께 동반되었다. 이를 확연히 느낄 수 있는 두 전시가 석사학위청구전인 《확장하는 공간》(2003, 부산대학교 미술관)과 박사학위청구전인 《The Golden Space》(2016, 부산대학교 아트센터)이다. 사실 손몽주가 띠를 이용한 설치작품을 처음 선보인 것은 대안공간반디가 아니다. 그는 석사학위청구전인 《확장하는 공간》에서 이런 유의 설치작업을 처음 시도했는데, 1부와 2부, 두 번으로 나눠 진행된 이 전시에서 한 번은 전시장을 여러 직선의 검은 띠로 가리고 나누어 기존과는 다른 새로운 공간으로 만들었으며, 다른 한 번 도 헝클어진 검은 띠를 줄줄이 매듭지어 늘어트리며 기존 공간을 다른 공간으로 변모시켰다. 손몽주를 대표하는 ‘띠 작업’이 이 전시를 통해 처음 선보여졌다는 데에서 이 전시는 큰 의미를 가진다. 하지만 바라보는 대상으로서 온전히 있어야 하는 작품이 아닌, 체험하고 경험해야 하는 ‘설치작업’으로 형식적인 변화가 있었을 뿐 작품에 다른 어떠한 서사도 첨가되지 않았다는 점에서 지금의 손몽주의 작품과는 다른 점이 보인다. 반면 그로부터 13년 뒤에 이뤄진 박사학위청구전은 이전의 석사학위청구전과는 분명히 다르다. 그는 이 전시에서도 띠로 공간을 나누고 그것을 관람자로 하여금 체험하게 하는 설치작업을 선보였는데, 이 띠 위에 작가가 경험하고 기억하는 금정구의 모습을 영상으로 투사해 장소가 갖는 이야기를 작품에 담아냈다는 점에서 지금 그가 보여주는 작품과 맥을 같이한다. 전시장의 물리적인 변화에 초점을 맞춘 ‘확장하는 공간‘이란 전시 제목과, 마치 전시가 이뤄지는 금정(金井)구를 염두에 두었을 듯한 전시 제목인 ‘골든 스페이스‘ 또한 이 점이 서로 다름을 분명히 시사한다.
이렇게 장소특정적 작업을 지속해온 손몽주는 작품이 놓이는 공간과 장소에 따라 작품의 내용 또한 조금씩 달리 해와, 내용적인 면에 있어서 어떤 통일성을 찾기란 쉽지 않다. 단 최근 들어 손몽주는 일련의 한 주제를 두고 연달아 전시를 가진 것으로 여겨지는데, ‘표류‘가 그것이다. 그리고 이번 전시도 그 연장 선상에서 기획된 것으로 보인다. 이 주제와 연계하여 눈이 가는 전시가 2014년 홍티아트센터에서 열린 《표-류-로》란 전시이다. 전시에 작가는 다대포 해변에 떠내려온 1~4m가량의 거대한 표류목 7개를 흰 띠를 이용해 공중에 달아놓았는데, 각 표류목이 천장에서 바닥으로 자연스레 내려오는 듯한 이미지를 연출하여 전시제목인 《표-류-로》와 맞닿아 말 그대로 표류 그 자체를 시각적으로 효과 있게 전달했다. 그렇다면 왜 표류가 아닌 표류로 향한 길인 표-류-로(漂流路)인가?
작가는 이 전시에 앞서 “물 위에 떠서 정처 없이 흘러감을 표류라 한다. 또한 어떤 목적이나 방향을 잃고 의지와 관계없이 헤매는 것도 표류이다. (중략) 둥둥 떠 있는 표류로 향한 길은 결국 의지와 힘을 뺀 채로 끌려가는 것이 아닌 몸을 그저 맡겨버리는 타협 아닌 타협으로 반복적인 당김과 밀림의 연속 속에 부유된다“(작가노트 중, 2014)고 적었다. 이 글이 필자에게는 흥미롭게 읽혔는데, 무의식적으로 이곳저곳에 끌려다니는 것이 아니라 어떤 의지를 갖고 흐름에 몸을 내던지는 그런 마조히즘적인 주체성이 암시되어 있다는 점에서 그렇다. 그리고 이런 표류를 그만둘 것이 아니라 표류’로‘ 향해 갈 것을 권유하는 것 같기 때문에도 그렇다. 손몽주가 다대포 해안에서 불현듯 주목한 표류목들과 같이 뿌리 없이 떠도는 것, 고정되어 있지 않은 것들은 그 자체로는 불완전해 힘없고 약해 보이지만, 이런 것들이야말로 우리를 둘러싼 견고한 것들을 위협할 수 있다는 유일한 불안요소이기도 하다. 그렇기에 최근 많은 사람들이 디아스포라(diaspora)와 유목, 노마드(nomad) 에 열을 올리는 것이지 않을까? 더는 출구라고는 보이지 않는 이 견고한 세계의 변화를 꿈꾸면서 말이다.
다시 이번 전시 《영도스윙》으로 돌아와 보자. 공간 한가운데에 설치된 <영도스윙>에 앉아 바다를 바라보면, 눈앞에 보이는 풍경이 어느 특별한 바다 풍경이 아님이 인지된다. 그리고 관람자의 시선은 인상에서 디테일로, 전체에서 부분으로 옮겨지면서, 바다 위에 떠다니는 것들인 배와 부표 등 부유물에 주목하게 된다. 그러면서 그네를 흔들며 앉아있는 관람자는 자연스레 그런 부유물들과 동일시되는 느낌을 선사 받는다. 시선을 옮겨 관람자를 둘러싼 거대한 구조물을 바라보면, 거대한 연두색 그물망 안에 각종 부표들과 바다 위를 떠다니는 나무들, 배 등이 안을 틈틈이 채우고 있음이 인지된다. 이 <영도스윙> 뒤에 있는 소품들인 <떠 다니는 조각들> 역시 이를 증거한다. 손몽주는 이번 전시를 두고 부산일보와의 인터뷰에서 “부유물로 살아간다는 것은 대립이고 저항이면서 순응“ 이라고 말했다. 부유물로 만들어진 거대한 이 구조물과 좌대 위에 정식으로 가지런히 올려진 작은 소품들은 정처 없이 떠도는 사람들에게 바치는 일종의 기념비이지 않을까?
이보성
Re-floating_The monument to the drifting.
In contemporary art, the exhibition space is unlike the one that was unified into white cubes in the past, which is called white-cube . It is not uniform but diverse. Of course, the spaces with white walls still exist. However, some of the spaces are made up of black spaces that don't allow even the slightest light as if they're in a movie theater, and some spaces are covered with various colors of walls, or some spaces expose bare cement walls without any finishing touches. However, these different spaces do not mean that the purposes are different. They all agree that it is a space designed for artworks. Recently, however, the situation has further expanded to include places that people can't think of as being displayed, such as streets, closed down factories, unoccupied houses, protest sites, or even forests or beaches. In this case, the situation is slightly different from the previous example of space, because it is a space where different purposes take precedence over artworks. That's why the works in these places often interfere with each other, with no help from the spaces.
Son, Mong-Joo’s exhibition 《Young-island Swing》 took place in this kind of place. Located on Yeong-do(island) Marine Road, where you can see Busan Port, 'Complex Cultural Space GGTI' was a factory that used to manufacture ship generators and used as a logistics warehouse after it was closed down, and now various cultural events such as parties and performances are taking place. Although the gallery is named as a cultural space, it is hard to think of it as an exhibition space because it retains its original rough appearance, such as rough concrete walls, various ship items piled up in, and lockers left on one side. Moreover, the sound of hammering and welding around the ship, and the harsh breathing of the engineers working there, are not only transmitted entirely through the space, but also the sound of ships entering and leaving the harbor and even the cry of seagulls in the exhibition hall, making it difficult for the audiences to entirely concentrate on the work. Furthermore, the magnificent view of the sea-facing the space makes viewers stay in the landscape, not the work, making it challenging to display artworks other than performances or cultural events. As I mentioned earlier, this space also interrupts the appreciation of works. However, the problem is not that simple in the case of this exhibition of Son, Mong-Joo.
Son, Mong-Joo presented two major works at the exhibition. One is < Young-island Swing>(2019), a giant fluorescent-green installation which is 7 meters wide and 6 meters high, and the other is < floating sculptures>(2019) with small objects placed on a six-meter-wide, two-stage pedestal. First of all, let's talk about < Young-island Swing>, which overwhelms the viewers on a grand scale. The installation, which covers a net dyed in light green with a structure reminiscent of the Arc de Triomphe, gives viewers a different look and feel in a vast, grand size, which is distinctly different from their surroundings, leading viewers to a work instead of the surroundings. Moreover, in the middle of the piece, if you think it's a giant door, there's a swing in what you think is a passageway, so that you can ride it. The swing does not indicate the front of the work, but if you sit in a chair and swing unconsciously, you naturally look at the sea. Instead of covering the surroundings to focus on the artwork, it encourages us to look at the scenery. When you swing and look at the sea, you take in the various noises around you as an element of the artwork. As such, Son, Mong-Joo is embracing the place as part of the work by drawing it into the work.
It is not the first time Son, Mong-Joo has used such an exhibition space and place as part of the work. Son, Mong-Joo’s tendency comes from 2007 when she started working in earnest after returning from studying abroad in the U.K. Son, Mong-Joo was elected to the "Alternative Space Bandi Contest" in the year she returned to Korea and had a solo exhibition, 《Come in !》(2007) during which she actively used the characteristics of the alternative space Bandi, which used the old bathhouse as an exhibition space, to divide the space with white rubber bands and showcase works that cross all over the place. As the artist prepared for the exhibition, she said, "Unless it is a simple plain-patterned place, I feel that the history or background information of the place is essential if it contains a particular design or element.”(from the artist note, 2007) Later, Son, Mong-Joo was invited to the 2008 Busan Biennale Special Exhibition, where she used a closed down gym locker room in a swimming pool and showed the black band installation 《The animals were gone》. In 2010, she entered Gamcheon Culture Village in Saha-gu and built a house with a ringed inside an abandoned house 《The black house》. The next year, she showed 《Happy project》 which covered the entire unoccupied house with yellow streamline wires in Yeongcheon, North Gyeongsang Province, and in 2013, presented 《Expanding space》 which crossed an empty commercial space in Donrae-gu Myungryundong with white rubber band. Son, Mong-Joo has been actively used not only the characteristics of the spaces, but also the narratives of the places as the elements of the works.
Son, Mong-Joo has continued to work on site-specific art , so it is not easy to find some unity in this regard, as the contents of the work vary slightly depending on the space and location where the work is placed. However, recently, Son, Mong-Joo had held a series of exhibitions over a series of themes. Drifting is one of them. In relation to this theme, an exhibition was held at the Hongti Art Center 《Drifting road》 in 2014 is noticeable. During the exhibition, the artist used white rubber bands to attach seven huge drifting trees, each length one to four meters floating on the beach in Dadaepo, to create an image that seemed to naturally descend from the ceiling to the floor, and delivered the title literally ‘Drifting itself’ visually and effectively connecting to the title 《Drifting road》. Why was it " Drifting road " rather than "drifting"? The clue to this is in the artist’s note. The artist said, “Drifting means floating on the water and drifting away. It is also drifting to lose any purpose or direction and wander about, regardless of will…. The road to drifting is not dragged away with the will and strength but is enriched in a series of repeated pull and push as a compromise that leaves the body alone," (from the artist note, 2014). The note was interesting, in that it implied such masochistic identity as unconsciously being dragged from place to place, but rather throwing oneself into the flow with a certain will. Also, so is it because it seems to recommend that we go toward drift, not stop this drift. Like the drifting trees that Son, Mong-Joo suddenly noticed, things that are not fixed seem incomplete, powerless, and weak in themselves. However, it is also the only source of anxiety that can threaten the solid things that surround us. That's why a lot of people, including recent academics, are excited about Diaspora and Nomad , dreaming of a change in this solid world where no longer can find an exit.
Let's return to this exhibition, 《Young-island Swing》. Sitting in the middle of the space at Young- island Swing, you can see that the scenery before you is not a special ocean view. As the viewer's gaze shifts from the whole to the parts, he or she becomes aware of floats, such as boats and buoys, that float on the sea. Visitors sitting there swinging their swings automatically feel like they are identified with such floats. Looking at the vast structure surrounding the audience, they notice that the buoys, trees from the sea, boats fill in the vast green netting tightly. The objects behind this , also bear witness to this. In an interview with the Busan Ilbo over the exhibition, Son, Mong-Joo said, "It is a confrontation, resistance, and adaptation to living as a floating matter." Isn't this huge floating structure and the small objects that are formally neatly placed on the pedestal a kind of monument that Son, Mong-Joo presents to those who wander aimlessly? A monument encouraging people to continue to drift.
Lee Boseong
Re Floating_Rubber band, floating things_1800x130x400cm installation_2020
